www.yabo.com2024年的五一假期，中国美术馆人流熙熙攘攘。走进位于主体建筑右侧的5号厅，一种时尚优雅的别样感觉扑面而来。由中国美术馆馆长吴为山题字、名为“诗韵霓裳”的时装艺术大展在这里展出。这是中国美术馆建馆以来，首个中国当代服装设计师的作品个展。

　　苏绣、霓裳、手绘设计稿……22件华美时装围绕在中国青绿山水背景周围，现代时尚氛围之中显露出中国精神的内核。等走进细看，才发现每一件时尚礼服都以一首中国古代诗歌为题，而服装设计灵感也是来源于诗歌的意象，如《兰玉满庭芳》《望岳》《将进酒》……这些作品运用了苏绣、堆锦、绒花等古老的非遗工艺，中国文化的精神密码在礼服上被激活与再现，让时装显示出不一样的中国风尚。

　　这些中国时装艺术的作者是兰玉，一位85后设计师。她出生于苏绣之家，自幼耳濡目染，毕业于北京服装学院。自2005年“LANYU”品牌创立以来，兰玉致力于探索中国传统文化和技艺与当代时装设计相结合，以中国式美学展现当代服装设计。这次展览以“诗韵霓裳”为题，正是来源于她服装中对诗词歌赋意象的追求与表现。她以针为笔，以线为墨，以诗为魂，呈现了她对中国文化和哲学的深刻认知，与对中国时装艺术在世界舞台上精彩表现的期待。

　　展览现场，艺术中国对兰玉进行了采访。通过她的讲述，我们更好地走进她的内心世界，以及蕴藏在她作品中的对时装艺术与中国文化的思考。

　　艺术中国：本次展览的名字是“诗韵霓裳”，为何以“诗”作为此次设计的核心？

　　兰玉：是的，这个想法很大胆，很需要勇气，但其实又是一种必然。如果要形容自己当下的心情的时候，所有的华人都会无意识地用诗去咏叹。比如如果我们在国外过中秋，看着明月，发朋友圈不可能是一句英语，而会是“举杯邀明月，对影成三人”。这是我们华人的一个习惯，而且我们以此为傲。

　　这一次展览中的22件作品对应了22首诗，都是来源于对我周围小伙伴的征集。都是80后、90后这一代。选题会是在两年前进行的，当时大家都很感动。我们想到了小时候的一些场景。妈妈一边绣花、缝纫，同时一点点教我学习诗词。当我们不爱吃饭的时候，妈妈肯定要讲那一首《悯农》”，所以诗词是深深地刻在我们记忆之中的。

　　我们希望征集到感动过80后、90后这一代人的诗歌。其中，我贡献的是《将进酒》，这是我从小到大最喜欢的一首。服装设计作品《将进酒》中间的铠甲是酒杯的一个变形，边上的水是模拟在酒杯里溅出来的样子。我想象如果一个女性非常有侠气该是什么样子，同时她身上穿的礼服像流水一样围绕着她。

　　这次能够在中国美术馆做展览非常难得，我非常珍惜这次机会。因此我没有仅仅把自己过往的作品筛选整理，做一个回顾展览。而是希望完成这样一次挑战，借由中国美术馆这个最高的殿堂，向大众分享我希望传达的关于中国文化的理念。

　　艺术中国：这次展览也呈现了苏绣，同时在你的设计上运用了堆锦、绒花等非遗工艺，能讲讲你的思考吗？

　　兰玉：苏绣是我的家传，我妈妈祖籍是苏州，她是兰氏苏绣的第四代传人。怎么能够留住原来传承的灵魂，又能有创新，我们当下很多非遗都面临这样的问题，因为苏绣是我的家传，所以对我真的是有点“举轻若重”。

　　苏绣其实从古到今都是用于服饰的，像龙袍、旗袍……在这种大的背景下如何去创新是一个难题。我从2013年开始勇敢迈出这一步，将苏绣与成衣礼服、婚纱结合。让苏绣看起来更当代，现在来看我们取得成功了。

　　因此这次展览中，我们也重点呈现了兰氏苏绣。顺色绣是它的一个重要特点，如果说花5年时间能绣到普通的苏绣，顺色绣就要10年时间。比如我们这次展出的《斗鱼》，是我们2014年在巴黎大皇宫展出过的。斗鱼的造型感很强，它的颜色与游动的样子非常的美。像它的尾巴，是加入了一点点深红色慢慢散开。基本上兰玉所有的设计都是同一个颜色，我们很少有对比色，顺色绣是我们的一个审美的缘起。

　　这次还特别展出了三幅表现水的当代苏绣作品。中国人爱水，历朝历代都有文学艺术作品来表现，水很像女性，它很温柔又最有力量，水也是中国人品德的一个表现。这三幅作品是按照想象来的，如果一盆水直接泼到了墙上，它定住同时又有冲击力的感觉。

　　将非遗工艺运用到服装设计之中，首先还是因为它合适。手工类的东西会慢慢走向消失，但我们会尽量延长它的时间，并让大众欣赏到它的美。我会在我的视野内尽量用到这些传统的手工艺，比如我家里有苏绣，就用到了苏绣。因为经常去南京，接触到了绒花，而且这位传承人做的非常好，我就把绒花也应用在设计之中。只有经过市场化的选择，大家真的喜欢，才会让非遗焕发出新的生命力。

　　兰玉：是的，这几年流行的的新中式更多的还是外形上的款式，比如只要是马甲上带盘扣，似乎就是新中式。但是它的局限性其实非常大，有很多人穿上可能并不好看。我们推广一个设计或是一个新的艺术品类，它要具备两点，第一个是民族性，再一个是时代性。如果女孩们穿上不好看，这股风潮是不会长久的。

　　我们这次展览用了很多花和各种植物的元素。中国哲学与人和自然是和谐相处，是天人合一的。我们很希望通过这种很空旷很悠远的这种颜色，让大家感受到中国人是有心胸的，是能包容万物的。我们很希望把时装艺术作为中国文化推广的一个领头羊，让大家看到的，因为它很利于传播。比如这次在戛纳电影节上，有几位明星穿着我们的高定时装艺术的礼服，关于中国文化的故事很快就能传播。

　　东西文化和生活方式的不同是祖祖辈辈逐渐形成的，是刻在基因里的。但我相信国外客人也会欣赏具有中国哲学内涵的时装艺术，像苏绣、披肩，我们的很多外国客户都很喜欢中国的生活方式。

　　艺术中国：您设计的作品曾行走过世界各大T台，您曾提到希望打破西方时尚界指定的规则，您的思考是什么？

　　兰玉：西方关于时尚的游戏规则是工业社会下的市场发展规则，是他们按照自己的优势去制定的，并不适用于全球范围。举例来说，一位中国厨师很难将法餐做顶级程度，可是我们为什么要证明这一点？我们不能比做中餐吗？而且中餐难道不比法餐好吃吗？这是文化上的不同。可能跟我们不太会宣传自己、比较内敛的性格是有关系的。但中国人是很讲感受的，你尊重我，我也尊重你。所以我觉得，过去我们在工业社会下的发展可能会稍微滞后一点，但现在我们已经做得很好了。

　　然而在国际市场上，我们的审美依然通过定价被碾压。如果说面料是意大利制造，可以卖我们定价的10倍左右。对一个创业者来说，这是致命的打击。我曾经长期在较低的定价上无法突破，因为在那十年里面，大家认为一个中国设计师做的东西不值这些钱。一直到现在为止，我们在某一些区域的发展，一些年纪大的人依然这么认为，但年轻人就不太一样。这次展览的观众，有很多千禧一代，他们认为这些服装是艺术品，要在25岁那一年生日宴会上穿完之后收藏起来。一些我们的客户会在家里墙上面镶一个橱窗，把兰玉的婚纱镶进去，作为一个装置每天在家里看。当作品被这么尊重的时候，真的是有创造者的快乐。如果回归到服装制造者，那么就要衡量我能生产多少这样的产品，或者再说大点，我能为当下市场的发展，能为民族能做些什么？

　　因此，在疫情之后，我们在颐和园办展的时候，就萌生了这个想法。我们希望做第一个站出来说的人。我们是不是可以另辟蹊径，建立自己的高级定制的游戏规则。我们要说：中国的审美以及手工艺是绝对称得上时装艺术这四个字的。

　　兰玉：我觉得有三个方面。第一个方面是现实层面的，是我的客户给了我第一波勇气，他们会为此买单。例如，我们设计的苏绣披肩，在国内国外都销售得非常好。它里外都是用纯真丝面料，再加上苏绣的装饰，整体的设计是平裁，而且每个客人可以定制属于你的那一片春色或那片秋光，这是客户给我的第一个底气。第二，是在用料上。相比于法国的高定蕾丝，意大利的羊绒，我们也可以做得一样好。经过了近20年在业内的不停下单和制造成衣的过程，我有底气这么说。第三，是我们中国的文化，文人的风骨、精神和自信。我觉得这是在文化上有先进性的。我在中国上了9年义务教育和大学，在国外也留过学，包括我们在国外办展工作。我是了解西方文化的来龙去脉的，所以我会更喜欢中国人宽广的胸怀。

　　中国人的智慧，是一种共融的智慧。“各美其美，美美与共”，并不是唱高调。在我们的审美里面，包括诗词歌赋里从来都没有咏叹过一个人有多少财富，一个人征战了多少江山，我们咏叹的全是江河的美好和对自然的感受，比如我站在山中，想的是“采菊东篱下，悠然见南山”。我们去看湖上落日，想的是“彩霞与孤鹜齐飞，秋水共长天一色”。这样的心胸是大气的，而不是强调一种征服欲。我们中国人是讲以德服人，所以我对中国文化和哲学的先进性抱有非常大的期待。即使我们这一代看不到中国在全球时尚界的话语权，我相信在下一代，在不远的将来，一定会看得到。因为这种先进性已经慢慢体现出来了。

　　艺术中国：这次展览是否意味着您个人角色的转变，转向一个更偏艺术家的方向？

　　兰玉：我觉得至少是个分水岭。未来我希望做艺术就做收藏品，做给懂得它意义的人群。我们做实用性的时候，就把它的实用性做好，做得漂亮、实穿、耐洗。我相信无论是艺术品还是实用产品，其实它的品质都是自己会说话的。时装艺术系列是我们的乌托邦，支撑我们团队小伙伴走下去的一种精神力量。这个展是一个全球巡展。中国美术馆是第一站，接下来是新加坡、纽约、巴黎、多伦多、东京，明年的5月份会回到苏州博物馆。

　　艺术中国：这件事需要更多中国青年服装设计师的共同努力，您将如何影响他们？

　　兰玉：是的，我希望借这个展览以及通过各大媒体平台，把这个声音发出去，让更多的人知道。我相信会有更多的中国的青年，包括刚出道的时装设计师非常受益，不再会禁锢到西方的游戏规则里面去，会努力开发符合中国自己审美的原创设计，让它们越来越有价值。